录音的艺术（一）挑战钢琴录音
录音是一门严谨的艺术，是一门关系到各种学科的综合科学。很多人都问，录音师都需要掌握什么条件。很多人的答案也许是知道如何选择和摆放麦克风。但是，我们需要知道的是，这只是录音师需要知道内容的很小一部分。一个合格的录音师，需要知道录音、乐器声学、环境声学、乐器演奏、编曲乃至音频原理在内的硬件知识。对于录音师，有如此多的知识需要掌握，从这方面讲，成为一个好的录音师、远比成为一个混音师和母带师要难得。本篇文章的主要内容，在于通过对钢琴录音中的难点问题逐一进行分析并展开深入讨论，使大家认识到录音艺术的严谨性和困难程度，并通过总结提炼，使得大家能够学到录音艺术的精华部分。这些疑难点和精华部分，是一个录音师在每天的录音工作中经常遇到的，这里展开讲，主要还是希望能够抛砖引玉，共同进步。而我们今天的第一个话题，就是号称录音界难度顶峰的钢琴录音。钢琴号称是最难录制的声学乐器，无数的录音师、哪怕是大师级的录音师也会为此头疼不已，而下面就让我们了解一下，钢琴录音究竟是怎样一个过程。
什么样的钢琴声音才是正确的、什么是完美的钢琴录音？为什么钢琴难以录制？
首先我们提出的这个问题，大家或多或少会有所了解。这个问题的答案很多，但是要说全说准确，就不是那么容易了。首先我们从钢琴的外观入手。常用的音乐会演奏用大钢琴，是乐器中的巨无霸，这些巨无霸一般身长9尺，也就是2.75米-3米之间的这样一个长度。如此巨大的体形，就衍生出来两个问题。其一是由于身材庞大，发出的声音将是巨大的，有记录显示声压级能够达到130dBSPL。因此如果录音距离控制不好，电平很容易过载。联系到录音实践中，就引发了录音距离和是否添加压缩效果器的问题。其二，巨大的体形将导致声相的问题，近距离麦克风拾音和远距离麦克风拾音之间声相上的差距将是非常巨大的。除了巨大的体形造成如上所述的多种问题外，其次钢琴的音域也是非常宽广的，钢琴是一种近乎全音域的乐器（全音乐音域共有97个健，而一般钢琴都有88键，个别达到97健），因此，从音域范围上说，钢琴具有可以比拟整个交响乐队的音域。基础音频率从20Hz到8000Hz，并且由于钢琴共鸣箱很大，泛音非常丰富，因此高频的细节也很突出。如此宽广的频率范围，即使对于高档次的录音设备，也将是很大的考验（录音设备的好坏，主要在于频响是否宽广，动态是否足够大）。而钢琴一下子就全占了，真是不客气！并且要求比其他乐器还要高，因此录制钢琴的难度最大就可以理解了。但是大家不要害怕，下面的实战中我们就准备逐步了解如何解决这些问题。而录制好钢琴，首先我们需要知道的，就是什么样的钢琴声音才是正确的。有了正确的标准，我们才能开始工作。
什么样的钢琴声音才是正确的？木头味 Vs 金属感
钢琴的声音，在听感上总结起来有两种味道。一种是木头味，也就是比较柔软、能够听出木质箱体共鸣的声音。而另外一种则是金属味，也就是锤子敲击钢丝，钢弦共振发出的声音。这两种声音包含了钢琴声音的主要特点。但是这两者应该占据的比例，却一直是录音领域的斯芬克斯之谜，也就是完美钢琴声音的命门所在。就听众而言，有人喜欢木头味多一些，有人喜欢金属味多一些，很是众口难调。而历史上真正伟大的钢琴录音，都是在这两者中取得了平衡感而获得了成功。下面，我们就通过一些实际录音来探讨这两种声音的比例问题，一般钢琴录音都使用名牌钢琴，我们首先就一起来看看这些品牌的钢琴声音有什么不同，争取能够从中获得解决问题的钥匙。
什么样的钢琴声音才是正确的？谈谈不同品牌钢琴的音色差别
钢琴自从1700年被发明开始，经过19世纪的大发展，到了20世纪终于达到一种趋于完美的境界。目前世界上公认的著名钢琴品牌主要有以下几种，斯坦威，贝森多夫、法吉奥里和雅马哈。
斯坦威（Steinway）
斯坦威是很著名的钢琴品牌，来自德国，一直被公认为最著名的钢琴品牌。90%的音乐会用的大三角钢琴都是出自斯坦威之手。斯坦威对于钢琴音色完美程度的追求可以说是近乎变态的，每一台斯坦威在出场之前都要经过苛刻的检查，以确保每一架斯坦威钢琴都有一种独一无二的声音。从音色上说，斯坦威的声音很难用语言来表达，我个人的表述是一种雍容华贵，极具帝王气质的声音。每当人们第一次听到斯坦威的声音，无不为其高贵的气质所折服。斯坦威的钢琴低音浑厚无比，中音温暖而宽厚，高音明亮而华丽。但是就中音来说，斯坦威是最出众的，具有很强的感染力和表现力，不过笔者认为最具杀伤力的还是斯坦威那种天生的帝王气质。
对于目前斯坦威钢琴的录音，为了方便大家认知，笔者这里主要使用大家熟悉的各种斯坦威钢琴采样音源的录音来分析。目前采样的斯坦威太多了，但是真正被大家公认为斯坦威声音典范的，则比例很小。The Grand2和Ivory中的斯坦威，虽然音质很出众，但是木头味很明显太多了，导致斯坦威声音中那种华丽的高音，那种天生的帝王气质削弱了不少。同样的结果还包括PMI的Steinway D等著名的音源。真正斯坦威声音做的比较好的，有EW的Steinway B（虽然不太真实，但是斯坦威的气质出来了）NI的Steinway（很棒的斯坦威，恐怕是目前最真实的），PMI的OLD LADY（真实和好听结合的典范）以及Galaxy 5.1中的斯坦威（高音气质很好，就是总体不是太真实）。下面的例子就是一个OLD LADY的声音，大家仔细听听，细细体会一下感觉。
贝森多夫（Bosendorfer）
和斯坦威一样，贝森多夫出身也很棒——来自于另一个音乐之乡——奥地利。贝森多夫采用的是和斯坦威不同的标准，因此在音色侧重上也有所不同。贝森多夫的声音含蓄，但是极具底蕴，可以很明显地听出是德奥系的声音。贝森多夫最有特点的地方在于它的低音区域，其在低音区音色清晰而圆润，但是却不失浑厚，因此非常难能可贵。借助这个特点，贝森多夫可以营造出一种奇特的音色氛围。当然不少大钢琴家也对贝森多夫青睐有嘉，称其为“意境深沉，含蓄不发”。
贝森多夫是相对金属味比较多的那种钢琴。典型的贝森多夫声音，钢劲有力，清晰而通透，讲究一种穿透力。相对于斯坦威，似乎贝森多夫的声音更容易表现出来，目前市面上的PMI的皇帝，NI的贝森多夫和Ivory的贝森多夫，都是贝森多夫中的佼佼者。下面的例子，就是Ivory的贝森多夫。
法吉奥里（Fazioli）
法吉奥里是最近20年钢琴界的新星，产自意大利，所以与生俱来具有地中海浪漫的气质。而且上升势头极快，很快将原来的钢琴三巨头之一的雅马哈赶下王座。法吉奥里得到了不少钢琴大师的鼎力推荐，被誉为是“数码录音的最佳用琴”。其音色最突出的特点在于其高音相当性感撩人，在近距离内具有很强杀伤力和穿透力，少男少女禁不住这种声音的诱惑，很难保持春心不动。如果李斯特能够用上这架琴，恐怕他对全欧洲女人们的杀伤力又会多出几个数量级，绯闻也会更多了吧。对于现代的轻音乐，爵士和New Age，法吉奥里能够很好的予以表现。也难怪其上升势头极快，大有成为新一代霸主的意思。下面就是Ivory中法吉奥里的声音，大家可以体会体会。
雅马哈（YAMAHA）
雅马哈制造钢琴也有百年的历史了，雅马哈的钢琴产自日本，其制造技术比欧美都有一定的差距，但是其主要是得益于以象牙为原料制造著名的C7演奏用大钢琴，并借此成名而与欧美品牌分庭抗礼。雅马哈钢琴的音色特点在于高音具有迷人色彩，并且中低音清晰有力。其对于流行乐的表现力相当不错。其对欧美品牌的主要竞争力在于钢琴价格相对便宜，并且方便购买——欧美品牌的顶级钢琴都是手工打造的，需要耗费大量的时间，顾客需要漫长的等待……下面就是YAMAHA C7的声音。
不同品牌的钢琴声音都不一样，那么，我们究竟应该使用什么标准来判断钢琴的声音的好坏，在录音中，我们应该录出什么样的钢琴音才能被广大听众所称赞呢？这个问题的答案很简单，只有一个“纯”字。但是这个字包罗万象，有很多含义：
1．首先从低、中、高音来看，声音都需要纯净，不能有太多的杂质，不能浑浊。
2．就高音来说，应该是纯洁悦耳的，而不能过于尖锐。
3．就中音来说，应该温暖并且纯净，中音的范例，还要看斯坦威的声音。
4．就低音来说，应该保持足够的浑厚的同时，听起来仍然感觉很纯，在这一方面，斯坦威和贝森多夫具有很大的优势，表现非常突出。
5．就比例来说，木头味儿多了，纯度会受到影响；金属感强了，声音会变得刺耳，显得不那么纯。
因此，这里我们对于录音领域的斯芬克斯之谜有了一个比较详细的答案。首先我们要看是什么牌子的钢琴，根据它们独特的声音品质来确定木头味和金属味的比例，然后我们需要做的，就是那个“纯”字了。
不同类型作品对于钢琴的要求
钢琴的低音浑厚，适合营造一种宏伟的大场面，而高音纯净悦耳，适合表现某种心情。因此这就决定了不同音乐中，对于钢琴声音要求的不一样。古典音乐，要求表现钢琴的全面，因此需要各个频段的真实还原。而流行音乐大多是展现小场面，因此主要使用钢琴的高音，要求高音成分的比重大一些。而Jazz等音乐，则对钢琴的色彩有一定的要求。因此对于钢琴的声音，要随着音乐类型而变化，但不能拘泥于类型，还要根据作品具体的需要，决定钢琴低中高音的比例。
钢琴的调音决定了录音艺术的高度
钢琴的乐器声学和录音
说了这么多，我们只探讨了一个基本的问题——我们到底需要一个什么样的钢琴声音。这个问题虽然与录音无关，但是却决定录音的基本方向是否正确，有了正确的基本方向，我们才能大胆迈开步，进入下一个问题——什么因素最能决定钢琴录音的艺术高度。也许有人说了，录音设备的好坏，这当然有一定的道理，但不是最正确的答案。有人又会说了，麦克风的选择和摆位能决定你的录音质量，这句话是对的，但是它决定不了你的录音能达到的艺术高度。而最终的正确答案，则是钢琴的调音。一台没调好音的钢琴，无论其他条件多么出色，达到的艺术高度仍然有限。而一台调好音的钢琴，则有无限的潜力等待你去发掘。因此，这里就有了一个原则，每当进行钢琴录音前，要花大力气调好音，这方面绝对不能有任何的妥协。因此钢琴录音的第一定律就是：“录音之前对钢琴调音的好坏，决定了你的录音所能达到的艺术成就最高点。”
实 战 录 音
真实动态 Vs 录音动态，讨论钢琴录音中的动态处理
真实钢琴的动态范围在乐器中算是很大的，并且随着声音频率的增高而增加。比如低音的最强音和最弱音的音量差距可以达到29dB，高音则可以达到54dB。但是在录音中听起来，这样动态下的最弱音就会显得音量太小，因此录音中就有了一个真实动态和录音动态的争议问题。目前公认的比较理想的录音动态选择在真实动态的40%左右，而实践也证明这样的动态听起来更加悦耳一些。如果你决定采用录音动态，就有两种实现方案供你选择——前期添加压缩器或者后期制作的时候再通过压缩来处理。 对于这个问题，不同的流派有不同的意见，有的流派认为前期添加压缩效果会更好，有的流派则坚持钢琴录音应该不使用任何效果器，一切处理应该等待录音完毕之后再决定如何处理。笔者是属于后面的流派，所以对于前期如何添加压缩效果器，自然是深恶痛绝，也更谈不起什么体会了。
钢琴复杂的声学结构决定了其声音的组成成分很复杂，包括拥有多种机械噪音，并且声音具有频率指向性。从机械噪音来说，钢琴具有锤子击弦的噪音、锤子离弦的噪音以及踏板结构产生的机械噪音——当你踩下踏板的时候，会听到踏板机构运动中产生的噪音。比如我们有时在钢琴录音中会听到一种类似海潮的声音，实际上就是踏板的噪音，而锤子产生的噪音，则是复合在钢琴乐音中，可以增加录音的真实度。只要音量不是大得太过分，这些机械噪音可以增加录音的现场感和真实感。而对于录音师来说，在进行近距离录音中，由于麦克风距离钢琴很近，因此就需要随时监控这些机械噪音的大小。需要注意的是，机械噪音集中在200Hz-500Hz频段，并且无数人的无数经验证明，试图通过调节EQ来消灭机械噪音的做法是完全没有效果的。同时由于钢琴是个很大的发声体，因此就有了频率指向性的问题，从最基本的来说，钢琴的低音弦和高音弦有个距离，因此到达麦克风的时间不同，录音师需要注意低音和高音的时间差或者是因此造成的相位差。而最关键的影响频率响应的因素，则是由音乐会大钢琴的琴盖的开启角度决定的。如果你细心观察，你会发现一般大钢琴的琴盖都会朝向观众开启一个角度。角度越大，则向外反射的高频越多，角度小了，则高频成分相对减少，声音就会变得发闷。同时，高频还具有离轴相应的效应——也就是以琴盖和琴体的夹角平分线为中心轴，随着偏离中心轴的角度的增大，高音衰减越快。机械噪音和频率指向性虽然看起来影响不大，但是在实践过程中这些因素都会对近距离和远距离拾音造成较大的影响，因此不能忽视。而在录音前的调试阶段，应该对这些因素一一加以考虑，进行排除。
1．钢琴的共鸣与录音
钢琴的琴弦共鸣是指当有些键还没有被释放的时候，所在琴弦被新的按键激发，产生共鸣的现象。这种共鸣随着没有释放键数量的增加而音量增大，并且随着新按键的音高产生频率上的变化。共鸣能够为钢琴的声音添加变化及其色彩上的渲染，因此捕捉到这种细微的声音有时候就很必要。捕捉共鸣的声音，需要距离琴体一定的距离——太近共鸣会显得太大，太远则显得不明显。一般放置一个麦克风距琴体30-40厘米的距离较为合适。
2．钢琴踏板的使用
钢琴的踏板共有三种，延音踏板（SustainPedal），弱音踏板（una corda）和延长踏板（sostenuto pedal）。
从左到右依次为弱音踏板、延长踏板、延音踏板
延音踏板踩下后，所有制音器离开琴弦，在声音延长的同时，所有琴弦都会产生共鸣，高频成分会大幅增加。弱音踏板踩下后，整个击弦机构会向右偏移一小段距离，这样锤子原先敲击3根弦，踩下弱音踏板后变成敲击2根弦。在音量有所减弱的同时，高频响应也发生了变化。
延长踏板踩下后，只延长当前未释放键的声音，而对频率成分没有影响。
综合钢琴的踏板运用，一个录音师应该懂得如何运用踏板改变钢琴的音响效果。当发现钢琴的声音比较干，高频上不出彩的时候。可以试图和钢琴演奏者进行沟通，争取增加踏板的使用，而使得声音达到理想的状态。
3．Duplex结构
Duplex为斯坦威首创的技术，其能够使钢琴的高音弦对于制音器的响应有所改变，以前当手指离开按键的时候，制音器将完全抑制住琴弦的震动。而加入了Duplex结构，钢琴的高音部分（F6以上）将不受制音器的影响，一直处于自然振动和共鸣的阶段，从而使得高音成分有所增强。而在录音实践中，Duplex部分的效果拾音是个大难题，当距离太近的时候，噪音和共鸣的声音比较大，容易产生喧宾夺主的效果。所以在近距离麦克风拾音拾取高音部分的时候，很少将麦克风放置在最高一个8度的琴弦上方，就是这个原因；但是如果距离Duplex结构过远，则Duplex的效果又会无从体现。因此建议在录音实践中，以1厘米为单位调节拾音麦克风与琴弦的距离，同时辅以仔细的监听，以便将Duplex效果以一种合理的、令人接受的比例融合在音乐中。而这个度，需要掌握在能够听出差异和很难听出差异之间——也就是若有若无的情况最好。
钢琴的单声道录音
也许有人说了，现在都立体声时代了，尤其钢琴这样声相定位比较明显，又有一定宽度的声源，不用立体声录音这不是瞎搞吗？没见过这么不专业的录音师！不能否认今天的钢琴录音大部分是立体声录音，但是单声道录音，在特定的情况下也仍然有用，并且从音质上来讲，好的单声道钢琴，从声音的宽度和声场定位来说，也能够做到不逊于立体声录音，具体问题具体分析，钢琴能够进行单声道录音的原因主要有以下3点：
1．钢琴声音的主要频率集中在中低频，也就是3000Hz以内。在这个频段内，声音的指向性不是太强，单声道录音的声音也会听起来显得比较宽，这样宽度问题可以得到一定程度的改善。
2．如果是从听众的角度（远距离）录音，当距离远到一定的程度，钢琴会趋向于一个点声源。这个时候使用单声道录音，单声道录音声相定位的问题，也可以得到较好的规避。
3．单声道录音使用多麦克风拾音，比较容易得到更加厚实的声音。并且单声道可以很方便进行多种后期处理，人工作出很多效果。
事实也证明，半个世纪以前的单声道钢琴录音，并不缺乏声音宽度以及定位准确，并且在声音上还独具特色。因此，对于单声道录音的问题，要具体情况具体分析，不能盲目下结论。只要解决好相位干扰的主要问题，依然可以得到很好的声音。在后面的录音方案实践中，我们也将涉及到钢琴的单声道录音。
麦克风的选用
钢琴录音对于麦克风的选择，有着很严格的要求。一般价格过于便宜的麦克风，都无法胜任钢琴录音。选择录制钢琴的麦克风，需要遵循3原则：
1．频率响应曲线要平直，优先级 3
2．频率响应范围要宽，优先级 2
3．瞬态响应要快 优先级 1
后面的优先级反映了重要性的次序。录制钢琴的麦克风一个首要条件就是瞬态响应必须要快，说白了就是反应要快，反应慢了就会导致漏掉细节或者是声音糊掉，在这点上是绝对不能妥协的。钢琴的频率响应非常宽广，这一点在前面已经说过多次。钢琴的重要频率点主要有3点，第一是在200Hz附近正负150Hz，第二是1000Hz附近正负200Hz，第三是5500Hz附近的正负700Hz。在这三点上务必要保证频率的准确性。如果你发现麦克风在这三点上的频响有过多的衰减或者增益，则必须考虑更换麦克风。因此在这三点上的不准确，将极大影响录制声音的准确性。
对于麦克风的指向性问题，一般主麦克风通常选用全指向，辅助麦克风则根据情况选择指向性。立体声录音的话，需要两只话筒都为全指向，但是需要注意的是，这方面并不一定要拘泥了定势。在后面的实战案例中，我们也会有详细的说明。
立式钢琴的录音
相对于音乐会演奏大钢琴，立式钢琴在录音中的应用并不是太广泛，并且其结构相对简单一些，但是出乎意料的是，其声音传递特性却要比音乐会大钢琴复杂很多，想要录出好声音也更难一些，基本属于公认的“鸡肋”，所以录音方案和实际录音数量有限，并且如何才能录出好声音，似乎没有人愿意仔细研究。下面我们就来看这样一个方案。
该方案中，两支完全相同的麦克风距离立式钢琴的背板大约16厘米到半米的距离，麦克风垂直于背板。立式钢琴声音的共鸣音比较大，所以过近将导致声音浑浊。但是过远后高音衰减很多，仍然会显得浑浊，因此需要把握这个度。一般我本人喜欢放置在40厘米左右，这样声音更清晰一些。这里还需要注意一点，背板千万不要靠墙或者朝着墙的方向！而应该冲外。如果靠墙的话，后果就不堪设想了，你将会得到一个梳状滤波效应的范例！
一种最古老的录制立式钢琴的方式是敞开顶盖，然后吊着麦克风录立体声。但是这种方法录制出来的声音毫无活力和立式钢琴的特点，已经很少看到有人用了。如果你有足够的时间，不妨一试。另外一种可行的方法是使用PZM从背板录制立式钢琴，但是考虑到我国的PZM的普及情况（实际上国外也不多见）——我只见过不超过3个棚有这样的条件，此方法并不实用。
如果你想要更清晰、独立一些的声音，可以试着拆掉钢琴的前板——键盘下面的挡板。使用一支心型指向的麦克风或者一对心型指向的麦克风（立体声录音）摆放在高音弦附近——减小低频成分，这样声音更清澈一些，麦克风轻微向上可以避免拾到过多踏板的噪音。这种方法能够得到比较清晰的立式钢琴声音，适用于流行乐和爵士乐。
实战音乐会大钢琴录音
1．基本原理
音乐会大钢琴的录音方式，不外乎两种，一种为近距离麦克风拾音，另外一种为远距离麦克风拾音。任何的麦克风摆放方式，都能作为变种而归纳在这两种方式里面，正所谓万变不离其宗。我们目前所要做的，就是充分了解这两种方式。
根据笔者的经验，大钢琴录音的难，就难在这两种方式，均无法达到完美的程度，他们一定在某些方面，需要妥协。而妥协的艺术，正是这世间最难的艺术。比如大家都看作很神秘的母带处理，就是一种妥协的艺术。但凡要妥协，就很麻烦。我们首先说近距离麦克风拾音，我们在前面已经介绍过，钢琴的声音中含有很多的元素，其包含了本身的乐音、共鸣音和机械噪音，而机械噪音，又包括踏板机构的噪音和锤子敲击和离开琴弦的声音。这些声音加上琴体的共鸣，还要在琴盖上发生多重反射。这些声音的发声位置又不尽相同，因此近距离麦克风录音就不可避免的会突出某种声音——比如如果你的麦克风距离踏板最近，则踏板的噪音听起来就要明显很多。而麦克风摆放在钢琴的琴弦上方，不同的位置接受的反射声波又不一样。所以近距离麦克风拾音，不可避免要在某一方面有所取舍，这就是要妥协。
而远距离麦克风拾音，则不受这些因素的影响，能够完整捕捉到钢琴整体的声音。有人因此说了，那我们就光用远距离麦克风拾音吧。但是问题在于，远距离麦克风拾音只能录制钢琴的“湿音”，相对于近距离麦克风拾音的录音，这个声音包含有混响并且对于细节的表现力远远不如近距离麦克风拾音，所以远距离麦克风拾音对于“干声”基本算是绝缘了，可能会引起干声爱好者或者细节狂人的不满。因此，有时无法选择远距离麦克风拾音或者是需要在一个相对比较近的地方进行远距离麦克风拾音，这仍然需要妥协。虽然要做头疼的妥协，但是我们可以总结出两点基本原则：需要钢琴整体声音多一些，或者是“湿声”爱好者，就应该使用远距离麦克风拾音。而需要突出某种细节，或者是希望有临场感很强、接近演奏者效果的，应该使用近距离麦克风拾音。
在录音前，我们必须要确保一个比较理想的声学环境，棚高8米之类的当然最好……还有钢琴的摆放也要花费心思仔细调整，争取能够在录音间里取得最好 的音响效果。低音弦部分不要挨着墙等已经是必备的常识了，这里就不多说了。下面我们先来重点讨论近距离麦克风拾音，所谓的近距离麦克风拾音，一般都是使用一对麦克风分别放置在钢琴的低音部分和高音部分，这样录出的声音，一支低音占主体，一支高音比例多一些。输出到调音台后，把低音突出的那一轨相位设置为偏左一些，把高音突出的那一轨相位设置为偏右一些，这样就成为一个立体声录音。很多近距离麦克风拾音的方法，差别仅仅在于麦克风位置的不同，大致总结归纳起来，有这样三种位置，如图：
第一种为图中C所示，其中负责低音部分的麦克风放置在C2（以A0为最低音）弦上方大约20-30厘米处，而负责高音部分的麦克风放置在C6弦附近，同样是上方20-30厘米处。录制出来后先试听一遍，然后按照下列原则进行调整——麦克风越靠近键盘部分，声音将会越亮，冲击力和动态将越大，但是将会缺乏延续、温暖的声音，也就是金属味趋向变浓而木头味趋向变淡。麦克风离键盘部分越远，则声音将会越暗，木头味道开始占上风，但是缺乏了冲击力和动态。使用这种方法录制的时候需要注意的是，由于低音部分的麦克风需要放置在靠后的部分以获得更好的低频响应，这时候钢琴的琴盖板需要完全打开，否则麦克风很可能无法放置在20-30厘米的高度。
第二种为图中A所示，两支麦克风均放置在音孔上方大约20厘米左右。许多工程师对这种方案有偏爱，但是笔者个人经验显示，此种方法有一定的操作难度，并且声音木头味多了不少，总体偏软。许多录音师偏爱此方案的原因在于大钢琴音孔的位置是固定的而且很好找。位置则一般都选择在左右方第二个音孔上方，所以此方案花费时间短但
是见效快，读者们也可一试。
第三种方法如图中B所示，一对麦克风进行XY制式拾音，麦克风放置在钢琴的中部上方，呈一个较大的夹角，大约为100度到120度的范围内。这样来两支麦克风的中轴朝向后方，而不是侧方，此方案需要注意的地方在于要求两支麦克风需要有较好的离轴响应特性。
说完了近距离麦克风拾音，下一步我们自然就要开始讨论远距离麦克风拾音了。
如图所示：
图中显示了沿着琴盖和钢琴的夹角等角平分线的理想麦克风的位置，在这个位置上，所有的频率都能够得到均匀、原汁原味的再现。因此理想的远距离麦克风拾音方案，就被限定在沿着这条线移动。随着麦克风和钢琴距离的拉大，声音会越来越“湿”，也显得更加温暖，同时此种方案倾向于在听众的位置欣赏，所以古典音乐录音绝大部分都采用远距离麦克风拾音，而偏爱“干声”的流行音乐，则更多使用近距离麦克风拾音。近些年的一种发展趋势表明，不少录音师倾向于将话筒尽量靠近钢琴，这样似乎可以得到相对中性的声音。但是随着到钢琴距离的减少，更多的负面因素——机械噪音和共鸣干扰，则也会越来越多的遇到。
如图所示：
在图中，麦克风距离钢琴已经很近，以至于大家会误以为是近距离麦克风拾音方案，而分析其实质，则还是应该归于远距离麦克风拾音，正如上面所说的，此种方法在两种方案中都作了妥协，并且在操作上有一定的难度。但是在时间充裕的条件下，值得一试。
上面用了这么多的篇幅，才说了两种方案。读者可能不乐意了，觉得两种方案不够。那么，每个录音大师, , , 的方案都可能不相同，但是正所谓万变不离其宗，下面我们就来看看这两种方案的变种都有什么，如图：
这些都是近距离麦克风拾音的变种，区别就在于麦克风的摆设方式。在各种不同的方案中，我们能够遇到各种千奇百怪的摆放方式，吊着的、呈45度等等的，几乎可以说360度，每度都有一种方式。而读者要问了，这么多的方式，凭什么一种方案，他们能这么变？笔者这里的答案是：和麦克风的性能息息相关，不同的性能，造成了理想方式的不一样。即便同样是U87，合体之间的差异也仍然存在，更别提不同牌子、型号了。最后，我就结合实例，结合麦克风的性能，具体分析几个案例，争取给读者带来更多的启发。
2．实战案例1：GigaPiano采样录音实况
主麦克风使用了AMS Soundfield Mk-V，这是一支昂贵无比的麦克风。
第二麦克风使用了两支Neumann M-149，
MS方式录音。大家可以看到，主麦克风采用的近距离麦克风拾音的第三种方案，其使用了一支声场麦克风来录制立体声，高度30厘米，角度约45度。这样的处理使得规避了机械噪音的主要来源方向，声音会倾向于温暖。而第二麦克风采用的是远距离麦克风拾音，仍然是立体声。但是注意是MS制式，这样的好处在于便于后期处理，而如果觉得环境声音过多，可以直接去掉S的那一条轨道。总体上来说，这是两种方式的典型应用，而依靠麦克风性能的程度并不是特别夸张。
3．实战案例2
下图仍然是最基本的近距离拾音方案，两支麦克风分别录制低音和高音部分。
下图中的麦克风摆放，对准了音孔，区别只是位置有所不同。
这个方案有些特殊，一只麦克风在钢琴的尾部录音，这样出来的声音将很温暖，但同时缺乏冲击力和动态，高频成分也将被大幅削弱，如果不是特殊的用途，不推荐这种录音方式。
5．进阶录音2——矩阵录音麦克风“海”虽然有优势，但是也有不好的地方。有些时候，硬件上的搭配至关重要，比如也许对于这个钢琴，麦克风A和话放D的搭配效果最好。又或者有时候需要以某种比例来混合出制作人想要的声音。对于这两点，麦克风“海”就毫无办法。但是总有聪明人想到了解决问题的方法，也就是麦克风的位置不变，只不过从以方案排列麦克风变成以位置排列麦克风，并且在后端则加入一个音频矩阵设备负责处理和分配复杂的信号流程。这就好比麦克风“海”属于足球中的人盯人防守，而矩阵录音则属于足球中的区域防守。二者的侧重点不同。但是矩阵录音对于设备要求实在有些繁琐，这里就不细说了。
6．综合和总结通过上面的例子，我们可以总结出一套钢琴录音的流程来，具体步骤可以如下：
1．首先确保钢琴经过调音达到一个最佳的状态
2．确保录音是在一个合格的声学环境下
3．调整钢琴到最佳的声学位置
4．根据具体需求确定录音的方式
5．根据录音方式确定录音使用的麦克风
6．麦克风摆位的调整
7．开始录音前拍照存档
到了这里，我们终于说完了关于钢琴录音的绝大部分方面，如有遗漏，还需要各位多多包涵。写这么长文章的目的，还是希望大家了解到录音艺术的严肃性和严谨性，以及感受其困难程度。同时我也希望本文能够给那些不断探索录音艺术的朋友一些启示。
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